Musikwissenschaft

Luigi Nonos Kompositionen der 1980er Jahre sind durch die Zersplitterung der musikalischen Textur in eine Abfolge kontrastierender Klangereignisse gekennzeichnet. Diese formale Disposition wird jedoch erst durch die Großform der jeweiligen Werke ermöglicht. Die Wechselwirkung zwischen Materialorganisation und Formbildung wird an den Kompositionsskizzen zu »A Carlo Scarpa, architetto, ai suoi infiniti possibili (1984)«, »La lontananza nostalgica utopica futura. Madrigale per più "caminantes" con Gidon Kremer« (1988/89) und »"Hay que caminar" sognando« (1989) untersucht. Dabei erweist sich die definitive Werkgestalt als Folge eines über mehrere Stufen fortschreitenden Arbeitsprozesses, in dessen Verlauf einzelne der ursprünglichen Vorgaben nach Bedarf korrigiert oder modifiziert werden.

Ausgehend von einer kompositions- und begriffsgeschichtlichen Annäherung werden kompositorische und ästhetische Fragestellungen der Verwendung von Rezitativen als Gestaltungstypen instrumentalen Komponierens diskutiert. Unter Bezugnahme auf zahlreiche Beispiele aus dem Zeitraum vom 17. Jahrhundert bis zur Gegenwart werden die vielfältigen Funktionen instrumentaler Rezitative im Kontext unterschiedlicher musikalischer Gattungen untersucht und systematisiert. Hierdurch wird die Basis für die Bewertung eines wichtigen, bis heute in der Musikwissenschaft lediglich marginal diskutierten satztechnischen und affektgebundenen Topos und seiner Konnotationen geschaffen.

Aus dem Inhalt: Zur Problemgeschichte des instrumentalen Rezitativs - Die Verwurzelung des rezitativischen Gestaltungstyps im Stylus phantasticus - Vokale Modelle im Kontext der Instrumentalmusik - Die formale Integration instrumentaler Rezitative und ihre Auswirkung auf Syntax und Ausdruck - Instrumentale Rezitative zwischen Mimesis, Topos und Zitat - Vom Verhältnis zwischen Instrumentalmusik und Sprache - Zur Konstanz assoziativer Sprachbezüge.

Das »Lexikon der Violine« setzt sich in rund 700 alphabetisch angeordneten Einzelstichworten mit der Geschichte der Violine, ihrer Spielpraxis sowie der für sie komponierten Musik auseinander. Vor dem Hintergrund seines Nachschlagecharakters bietet das Lexikon dem beruflich tätigen Instrumentalisten und Pädagogen, dem musizierenden Liebhaber sowie dem Wissenschaftler eine Fülle von sach- und personenbezogenen Informationen zu den thematischen Bereichen Instrumentenkunde, Spielpraxis, Komponisten, Geigenbauer, Interpreten und Pädagogen; dabei entsteht ein differenziertes Bild von der Violine, das vom Zeitpunkt ihrer Entstehung im 16. Jahrhundert bis zu den musikalischen Entwicklungen der Gegenwart reicht.

Musikalische Keimzellen, die sich verformen, ineinander übergehen, sich in unterschiedliche Richtungen zugleich entwickeln, stehen im Mittelpunkt der kompositorischen Arbeit von Günter Steinke. Mit seriellen Rastern steuert er die Strukturen, um ein weitgefächertes Kommunikationsnetz verschiedener Ebenen herzustellen. Der Band stellt den Komponisten vor: in Selbstzeugnissen, Essays und einem Interview.

Die Publikation enthält eine repräsentative Auswahl von Olga Neuwirths Texten, Vorträgen und Gesprächen sowie Beiträge von Fremdautoren (Kommentare zu einzelnen Werken, essayistische und wissenschaftliche Auseinandersetzungen mit Neuwirths Musik). Der Band ist als Lesebuch konzipiert, in dem jeder einzelne Beitrag für sich selbst bestehen kann. Ausführliche Kommentare des Herausgebers liefern Erläuterungen zu biografischen Hintergründen, Sachthemen und erwähnten Personen, aber auch Hinweise zu Aufführungen und Realisierungsproblemen. Fotografien zeigen eine weitere Seite der Komponistin. Eine der Publikation beigefügte CD enthält bislang unveröffentlichte elektronische Kompositionen.

Musik – Transfer– Kultur ist das Thema der Festschrift für Horst Weber, die damit die Forschungsinteressen des Jubilars sowie die Ausstrahlung und Bedeutung seiner eigenen Arbeiten spiegelt. In den Beiträgen des Bandes wird untersucht und dargestellt, auf welche Weise die Musik in Interaktion mit anderen kulturellen Erscheinungen tritt und dadurch als Form des kulturellen Handelns sichtbar wird. Einer der Schwerpunkte ist hierbei der Kulturtransfer, der durch Emigration von Musikerinnen und Musikern sowie anderer Kulturschaffender aus dem nationalsozialistischen Deutschland erzwungen wurde, doch wird auch die daran anknüpfende Problematik einer Remigration solcher Kulturschaffenden in die ehemalige Heimat nach dem Zweiten Weltkrieg thematisiert.

Johannes Kalitzke (*1959) gehört als Komponist und Dirigent zu den prägenden Persönlichkeiten des zeitgenössischen Musiklebens. Dass seine Musik als die Summe der musikgeschichtlichen Erfahrung von der Ars nova bis heute bezeichnet werden kann, verdankt sich nicht zuletzt dieser Doppelfunktion. Darüber hinaus schöpft er aus einem breiten Fundus an philosophischen und literarischen Kenntnissen, die er – nicht nur in seinen Musiktheaterwerken – immer wieder dazu nutzt, seine Musik in einen aktuellen gesellschaftlichen und kulturgeschichtlichen Diskurs zu stellen. Der vorliegende Band wirft Schlaglichter auf diesen perspektivenreichen, pluralistischen Geist und sein facettenreiches OEuvre.

Drei unterschiedliche, aber gleichwohl eng aufeinander bezogene Rezeptionslinien lassen sich im Schaffen Salvatore Sciarrinos in Bezug auf Wolfgang Amadeus Mozart feststellen: 1. die theoretische Reflexion, 2. die Transkription von Originalkompositionen und deren Kombination mit Werken anderer Komponisten sowie 3. die gezielte kompositorische Auseinandersetzung mit Mozarts Musik anhand von Kadenzen zu dessen Instrumentalkonzerten. Diese drei Stränge werden dargestellt, zu einem Gesamtbild von Sciarrinos Mozart-Rezeption verwoben und auf ihre Relevanz für sein Komponieren überhaupt befragt.

Mit der zyklischen Auffassung seiner Streichquartette stellt Jörg Widmann die zwischen 1997 und 2005 entstandene Werkgruppe in einen Kontext, der durch ein spezifisches Verständnis von Tradition gekennzeichnet ist. Die Besonderheit der Kompositionen besteht nach Widmann gerade darin, dass sie sowohl als Einzelwerke aufgeführt werden können, wobei der jeweilige Kerngedanke einer an traditionellen Auffassungen interessierten Untersuchung bestimmter Satztypologien und deren musikalischer Essenz in den Vordergrund rückt, dass sie aber zugleich auch Gegenstand einer zyklischen Präsentation sein können, in deren Verlauf sich die Einzelkompositionen den Charakteristika einer Mehrsätzigkeit mit aufeinander bezogenen Werkteilen annähern. Die Fragestellungen, mit denen Widmann der Gattung Streichquartett in jedem Einzelfall begegnet, führen ihn einerseits zu einer Erweiterung instrumentaler Techniken, andererseits zu formalen Lösungen, die, obgleich auf den thematisierten Satz-Archetypen basierend, über diese hinausreichen.

Der Aufsatz beschreibt - ausgehend von der "Rekonstruktion" des Beethovenschen Musikzimmers - die unterschiedlichen medialen Strategien, die Mauricio Kagel bei Konzeption seines Films "Ludwig van", in Bezug auf Schallplattenaufnahme und im Hinblick auf die veröffentlichte Partitur wählt, um damit auf eine kreative Neuentdeckung des Komponisten Beethoven durch den Zuschauer, Hörer oder Interpreten hinzuarbeiten.

Der Aufsatz beschreibt Bill Fontanas Klangskulputuren im öffentlichen Raum unter den Aspekten von Relokalisierung und Rekontextualisierung, wobei vor allem die Auswirkungen auf die Wahrnehmung von Klängen sowie auf die Wahrnehmung der gewählten urbanen Örtlichkeiten im Mittelpunkt stehen.

Trotz der Einsicht in die grundlegende mediale Differenz von Musik und Sprache ist letztere bis heute eine wichtige Inspirationsquelle und ein zentraler Gegenstand dauerhafter musikalischer Auseinandersetzung geblieben: Komponisten haben es in der Vergangenheit immer wieder unternommen, musikalische Strukturen wie Melodik und Rhythmik aus Diktion und/oder Artikulation von Sprache abzuleiten und dadurch eine Anbindung von Semantik an strukturelle Kennzeichen der Musik zumindest nahe gelegt, und auch in jüngeren Werken lässt sich vielfach beobachten, dass Sprache im Hinblick auf das Komponieren als Katalysator fungiert. Vor diesem Hintergrund skizziert der Aufsatz anhand dreier Beispiele von Rolf Riehm ("aprikosenbäume gibt es, aprikosenbäume gibt es", 2006), Stephan Winkler ("Von der Natur des Menschen", 2005) und Oliver Schneller ("Joyce Paraphrases", 1996/97), was der Bezug auf Sprachstrukturen für die Musik und ihre Wahrnehmung in der Musik der Gegenwart bedeuten kann.

Der Aufsatz diskutiert am Beispiel des Komponierens von Hans-Joachim Hespos die Frage, wie man Ansätze kulturwissenschaftlicher Forschungen für die analytische Untersuchung und Deutung von Musik und deren Aufführung fruchtbar machen kann. Hierbei spielt etwa das Anknüpfen an die "Ästhetik des Performativen" von Erika Fischer-Lichte eine zentrale Rolle. Aufgrund ihrer eigenwilligen Notationsgegebenheiten eignen sich die Werke von Hespos in besonderem Maße für eine Untersuchung aus dieser Perspektive. Da die Partituren selbst aufgrund ihrer Beschaffenheit nur unzureichend Aufschluss über das Ergebnis einer Aufführung vermitteln, ist ein rein auf das Niedergeschriebene bezogener Werkbegriff schon von den Schaffensbedingungen des Komponisten ausgeschlossen. Dies hat einerseits Konsequenzen für eine analytische Annäherung, da der Untersuchungsgegenstand Notentext sich über weite Strecken hinweg den herkömmlichen methodischen Zugriffen zu entziehen scheint. Die Notation (als Ergebnis des Verschriftlichungsprozesses) wird andererseits darüber hinaus im Zuge des Realisierungsprozesses durch eine zweifache Transformationsleistung ergänzt - durch die kreative Umsetzung des Schriftbildes in Klang und durch die Wahrnehmung durch das Publikum in der Aufführungssituation -, deren Bedingungen es näher zu betrachten gilt. Beide Prozesse unterscheiden sich insofern von Realisierungen herkömmlich notierter Musik, als sie bezüglich der Umsetzung den Erfahrungsrahmen von Interpreten wie Rezipienten überschreiten. Hespos setzt hier, so eine zentrale These, auf allen Ebenen den Aspekt der Überforderung ein, um bestimmte Wirkungen erzielen zu können.

Der Aufsatz geht anhand ausgewählter Beispiele der Komponisten Steve Reich, Michael Maierhof, Maximilian Marcoll, Hannes Seidl und Martin Schüttler der Fragestellung nach, auf welche Weise künstlerische Arbeit und Alltag sich aufeinander beziehen lassen. Es wird versucht, die Intentionen dieses Komponierens zu hinterfragen und ihren Bezug zum Dispositiv Alltag näher zu umreißen. Zugleich geht es aber auch darum, auf gedankliche Zusammenhänge mit älteren Phänomenen (etwa mit den Konzeptionen von Luigi Russolo, Raymond Murray Schafer und Luc Ferrari) seit Beginn des 20. Jahrhunderts hinzuweisen, die, wenngleich sicherlich nicht immer im Zuge von Rezeptionsprozessen mit aktuellen Werken verknüpft, zum tieferen Verständnis des künstlerisch zugespitzten Alltagsbezugs in der jüngsten Zeit beitragen können.

Die Naturerfahrung, die sich für Messiaen im Gesang der Vögel artikuliert, ermöglicht ihm nicht nur ein Abstrahieren von dem in seinen Augen fehlerbehafteten menschlichen Kunstschaffen und den Auswüchsen der modernen Zivilisation, sondern dient ihm auch als unerschöpfliche Quelle für die eigene Schaffenskraft. Angesichts dieser Tatsache erstaunt es nicht, wenn der Komponist 1958 anlässlich seines 'Catalogue d'oiseaux' von einer 'inspiration retrouvée parles chants d'oiseaux', einer 'wiedergefundenen Inspiration durch die Vogelgesänge' gesprochen und dadurch der Natur Priorität vor anderen Inspirationsquellen eingeräumt hat. Der Beitrag versucht - damit eine isolierte Facette der Musik hervorhebend - einige Aspekte dieses Zusammenhangs anhand historischer Parallelen (etwa bei Gustav Mahler und Richard Strauss) näher zu beleuchten und fragt danach, welche Motivation sich hinter Messiaens kompositorischem Umgang mit Vogelgesängen verbirgt.

Der Aufsatz befasst sich mit den kompositorischen Fragestellungen, die im zeitgenössischen Komponieren aus der Beschäftigung mit so genannten "historischen Musikinstrumenten" resultieren. Als Beispiele werden vor allem Mauricio Kagels "Musik für Renaissance-Instrumente" und Juliane Kleins "... und folge mir nach" diskutiert. Letztere Komposition zeigt – ebenso wie andere Kompositionen, die für das vom Siemens Arts Program initiierte Projekt "About Baroque" geschrieben wurden –, dass die Arbeit mit historischen Instrumenten eine neue Qualität angenommen hat und auch die spezifische Musizierhaltung Alter-Musik-Ensembles einbezieht.

Der Aufsatz beschreibt anhand der Beispiele "!?dialogues suffisants!?" (1991/92), "Bählamms Fest" (1997-99) und "Lost Highway" (2002/03), wie Olga Neuwirth bewegte Bilder als Ausdrucksmittel innerhalb ihrer Musik nutzt. Dabei wird insbesondere diskutiert, wie sich dies auf die entsprechenden intermedialen Werkkonzeptionen auswirkt.